sublim

Licht in der Malerei. Licht in der Fotografie. Wie bannt man das Licht auf die Leinwand, so dass das Motiv zweitrangig wird. Maler wie Claude Monet, Ferdinand Hodler oder Giovanni Segantini haben sich nur noch dem Phänomen des Lichts verschrieben, als würden sie einer Offenbarung auf der Spur sein. Kann man dies auch mit dem Medium Fotografie erzielen? Das ist ein hoher Anspruch an die Fotografie, nicht nur dokumentarisch vorzugehen, d.h. nicht nur die Orte dieser Maler aufzusuchen und ihre gemalten Motive abzulichten, sondern auch dem Phänomen Licht, in seiner "geistigen Ebene" zu begegnen. Bilder zu erschaffen, die sich der Suche dieser Maler anschließen. Es ist ein hohes Ziel, den Bereich der Fotografie so auszudehnen, dass er Licht in seiner eigentlichen Form untersucht. Doch ist Fotografie nicht in anderen Worten übersetzt, Lichtmalerei und ist das nicht ermutigend, dass dies gelingen kann gerade mit diesem Medium? Ist es nicht an der Zeit, das Fotografie seinen abbildenden Charakter mehr und mehr verlieren sollte? Als der Impressionismus seinen Siegeszug hielt, war die althergebrachte Malerei in Erklärungsnot. Heute, spätestens nach der Einführung des Digitalen, scheint es der Fotografie nicht anders zu ergehen. Warum gibt es eine Kunstgeschichte der Malerei, mit all ihren herausragenden mutigen Entwicklungen und warum bleibt die Fotografie so sträflich am Rande der Kunstgeschichte, warum wird sie nicht aufgenommen als der Malerei gleichrangiges Medium? Das hat nicht nur mit dem "jungen Alter" dieses Mediums zu tun, sondern mit der Befangenheit in seiner gewohnten Funktion, als abbildendes Medium. Alles andere in der Fotografie fällt in den Bereich "digitale Manipulation", so das der Fotografie eine Entwicklung, in der Untersuchung des Lichts, zu eigener, tieferer Aussage verweigert wird. Eine Möglichkeit wäre es von den Malern zu lernen, um aus dieser Sackasse herauszukommen, damit neue Wege zu finden und sie auf die Fotografie anzuwenden. Das Gefühl für das richtige Licht, die Wahl der Jahreszeit und der passende Ort sind nur Voraussetzungen, um ein Bild zu erschaffen, daß als eigentliches Thema versucht, der Reflexion des Lichts und dessen Stimmungsinhalt, auf den Grund zu gehen. Die Kathedrale von Rouen von Monet, gegenüber im Hotelzimmer zu verschiedenen Tageszeiten gemalt, war eine Untersuchung des Lichtes an sich. Das Motiv war zweitrangig, so wie es dann, bei Marc Rothko ganz verschwand. Kathedralen, Tempeln des Lichts, sind Aussagen von beiden. "Mehr Licht" sagte Goethe als letzten Satz und, "es werde Licht und es ward Licht", ist uns allen vertraut. "Sublim", beschäftigte sich damit, den aus dem philosophischen entnommenen Begriff des Sublimen, in fotografische Bilder umzuwandeln. Profane nicht beachtete Orte am Tage verwandelte ich, mittels der Dunkelheit und des künstlichen Lichts, in erhabene Orte. Nur der richtige Einsatz von Licht und die Beschäftigung mit dem Phänomen des Lichts, konnte dies bewerkstelligen.

Das verborgene Sakrale im Profanen
In der Serie sublim begegnet uns die Industriearchitektur und alltägliche Orte nicht als dokumentierte Relikte, sondern als Schauplatz einer stillen metaphysischen Erschütterung. Es stehen Gerüste, Rohre und Backsteinmauern u.ä. scheinbar unbeteiligt im nächtlichen Licht, doch ihre Präsenz überschreitet bei längerem Hinsehen das rein Funktionale. Der Ausgangspunkt ist theologisch: Fra Angelico verstand die sichtbare Welt als Durchgangsraum, in dem das Göttliche nicht als Fremdes hereinbricht, sondern innerhalb des Sichtbaren aufleuchtet — zart, unaufdringlich, aber radikal verändernd. Seine Fresken offenbaren die Transzendenz durch die Welt hindurch, nicht jenseits von ihr. Diese Sichtweise eröffnet einen entscheidenden gedanklichen Übergang: Wenn die Erscheinung des Heiligen nicht an sakrale Architektur gebunden ist, sondern an die Bereitschaft des Menschen zu sehen, dann kann das Erhabene prinzipiell an jedem Ort aufscheinen — auch dort, wo Wiederholung, Zweckmäßigkeit und Alltag alles bedecken. Die Industrieanlagen und alltäglichen Gebäude, die hier gezeigt werden, sind Orte extremer Profanität: Gerüste, verschraubte Metallachsen, Rohrleitungen. Orte, die im Alltag unbemerkt bleiben, weil sie in ihrer Zweckform monoton sind. Doch gerade diese Wiederholung ist der Schlüssel. Das Alltägliche entzieht sich unserer Wahrnehmung nicht, weil es nicht bedeutend wäre, sondern weil es zu vertraut ist. In der ständigen Wiederkehr verlieren wir die Fähigkeit, es zu sehen — und damit auch die Fähigkeit, das Erhabene darin zu erkennen. Licht jedoch — wie hier in seinem gelbgrün-transzendierenden Charakter — kann das Vertraute aus seiner Profanität herauslösen. Es hebt die Strukturen nicht auf, sondern durchleuchtet sie, ähnlich wie Angelicos Goldgrund die Körper nicht übertönt, sondern in einen geistigen Raum überführt. So wird die Industriearchitektur in ein sakrales Licht getaucht: Nicht weil sie heilig wäre, sondern weil Kunst zeigt, dass auch das Profane ein möglicher Ort des Heiligen ist. Bei genauer Betrachtung überrascht ein Element im Bild: Ein eingerahmter Bildausschnitt innerhalb des Bildes, der keinerlei neue Information bietet. Er zeigt die gleiche Mauer weiter – dieselbe Textur, dieselben Steine, dieselbe Farbe. Warum ein Bild im Bild, das nichts „anderes“ zeigt? Gerade darin liegt das entscheidende Sinnbild. Der Rahmen markiert eine Zone, die sich dem Betrachter verschließt: Ein Bereich, der zu sehen ist, aber nicht begriffen werden kann. Er ist der Hinweis auf eine zweite, geistige Ebene, die nicht durch neues Material sichtbar wird, sondern durch die Haltung des Sehens. Das Bild im Bild ist ein Tor, das auf den ersten Blick wie eine Wand wirkt. Es bleibt geschlossen, solange der Betrachter nur das Offensichtliche erkennt. Erst der Glaube — verstanden nicht konfessionell, sondern als Grundhaltung des Vertrauens, wie bei Angelico — macht den Rahmen zu einem Durchgang: nicht in eine andere Welt, sondern in eine tiefere Schicht dieser Welt. Es ist ein Symbol dafür, dass das Geistige sich nicht zeigt, indem es Neues präsentiert, sondern indem es das Gleiche neu erschließt. Die Mauer bleibt die gleiche — doch der Blick wird ein anderer. Die philosophische Wende: Das Erhabene entsteht nicht aus dem Objekt, sondern aus der Transformation des Blicks. In der Tradition der Ästhetik des Erhabenen (von Burke über Kant bis zur Moderne) spielt die Erfahrung der Überwältigung eine zentrale Rolle. Doch dieses Bild geht einen anderen Weg: Es zeigt ein Erhabenes, das nicht aus Größe oder Gewalt entsteht, sondern aus der stillen Entdeckung des im Profanen verborgenen Geistigen. Das Gerüst wird zur Ikonostase, die Backsteinwand zum Träger von Erinnerung, das Licht zum Goldgrund der Gegenwart, und der eingerahmte Ausschnitt zum verschlossenen Tor des Glaubens. Das Erhabene entfaltet sich hier nicht trotz des Profanen, sondern gerade durch es hindurch. So verbindet dieses Werk die geistige Absicht Fra Angelicos mit der nüchternen Ästhetik der Industriearchitektur: Es zeigt, dass die Offenbarung der Transzendenz nicht an heilige Räume gebunden ist, sondern überall dort entsteht, wo der Mensch begreift, dass die Welt mehr zeigt, als sie zu zeigen scheint.

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